" On est gourmand comme on est artiste, comme on est instruit, comme on est poète.
Le goût, mon cher, c'est un organe délicat, perfectible et respectable comme l'oeil et l'oreille."
Guy de Maupassant, Le Rosier de Madame Husson, 1887
Autour de la table dressée de blanc se pressent mains et bustes. On échange, on s'affaire, on partage. Des plats débordent ou se vident au milieu des bouquets et des verres. Bien sûr ce n'est pas la Cène, ni les Noces de Cana, bien que les « repas blancs » de Martin Bruneau partagent avec eux l'expression d'une certaine convivialité. L'on songe davantage au Déjeuner sur l'herbe de Claude Monet (1865-1866) avec sa nappe blanche chavirée sur l'herbe ; au Repas de Paul Gauguin (1891) dans sa rigide composition ; à Cézanne et Morandi, auxquels Martin Bruneau emprunte la monumentalité des formes et la subtile délicatesse des tons ; aux aplats précipités de motifs chers à Matisse ; ou plus près de nous à la sobriété des natures mortes de Luc Tuymans.
Mais ici, étonnamment, le cadrage ne retient rien de personne : à peine un avant-bras, un bout de chemisier, la naissance d'une nuque. Il exclut et maintient à l'écart. Ou plutôt il se resserre, non pas sur les convives mais sur ce qui les réunit. C'est qu'au-delà du sujet, la peinture de Martin Bruneau convoque un oeil analytique et gourmand de peinture. Un regard mobile qui, du fond vers la forme, glisse et s'échappe de l'anecdote, comme guidé par une touche à vif et un sens aigu de la composition.
A travers toute la série, la dominance du blanc et le dépouillement minimisent en effet le contexte, tandis qu'un basculement de la perspective vient perturber l'agencement des plans. Dans certains grands formats la table semble se renverser à la verticale et dégager un large fond, contre lequel les objets s'apparentent à des signes abstraits, assemblés en une composition libre : un couteau comme un trait, le cerne d'un bord d'assiette, la grille d'un motif sur une cruche, un morceau de nourriture comme une éclaboussure, ailleurs un verre, comme un empâtement lumineux. Tout se vaut, tout est traité de la même manière dans une sorte de démocratisation de la surface. Loin d'être occulté, le médium se révèle sans fard, avec son épaisseur ou sa planéité. Dans sa tension, aussi, avec la présence d'objets identifiables, dont le modelé cherche tant bien que mal à rejouer l'illusion de la réalité. Entre réflexe de reconnaissance et expérience optique pure, Martin Bruneau assume une posture moderniste et réflexive, tout à la fois narrative et formelle, usant des procédés de la peinture pour critiquer la peinture elle-même, de l'intérieur.1 Disons, une peinture cousue de fil blanc, figurative certes, mais dont le caractère mensonger saute aux yeux et qui ne nous laisse aucun doute quant au fait que les couleurs proviennent bien d'un tube.
Alors, aux visiteurs trop hâtifs qui se satisferaient de l'image entendue d'un repas entre amis : attardez-vous ! Il faut que du temps passe pour que la réalité échoue. Que le ballet des mains se lie à celui des plats. Que tout s'amalgame et se réorganise : arabesques aux marges et diagonales au centre, méticuleux accords, bouquets de couleurs vives. Regardez comme on écoute. Et goûtez du bout des yeux le festin de la peinture.
Thibault Bissirier, juillet 2021
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(1) Il faut ici entendre le terme de « critique » dans son acception la plus neutre, au sens d'examen, de commentaire, d'analyse. Sur ce point, voir notamment la réflexion de Clement Greenberg sur la place de l'auto-critique dans la peinture modernisme : « Modernist painting », 1960, Voice of America.
